EL PALACIO DE BELLAS ARTES

P. Julio César Paulino

Esta gigante obra arquitectónica de estilo neoclásico, fue construida por la firma de ingenieros asociados “Sociedad Civil”, bajo la supervisión del ingeniero Virgilio Pérez Bernal.Fue terminada en el año 1955 e inaugurada el 15 de mayo de 1956, con un costo total de un millón seiscientos mil pesos.

Fue bendecida por Monseñor Octavio Antonio Beras, y los festejos se extendieron durante una semana donde se presentaron obras de teatro, conciertos, exposiciones pictóricas y otras actividades. El palacio de Bellas Artes está construido en un área de 1,300 metros cuadrados, siendo su estructura en su totalidad de hormigón armado. Sus dos plantas están levantadas sobre un sótano que cubre toda el área de construcción entre un cuadro de 116 grandes columnas en cuyos capiteles se asienta un bello friso y una cúpula central.

El herraje es completamente de bronce, para evitar la acción corrosiva de los aires marinos.

Las puertas y ventanas fueron construidas de caoba del país, y los vidrios de las ventanas del tipo matizado fueron importados de Alemania.

El acceso al palacio se hace a través de cuatro rampas que entran de la Avenida Máximo Gómez hacia el oeste, y de la Calle Mahatma Gandhi al este.

Estas rampas atraviesan los jardines de estilo francés donde reposan reproducciones de grandes obras de la cultura clásica.

A parte de todas las oficinas ‘que funcionan en su interior, está el Auditórium con una capacidad para 650 personas, donde la sala de butacas y el palco están integrados por gradas al estilo del teatro griego.

En el escenario se contempla un friso realizado por artistas españoles cuya composición escultórica representativa de la danza y -de la música fue inspirada en un vaso griego antiguo. En las paredes lateras se muestran máscaras alusivas a la comedia y tragedia griegas.

Estos murales son originales del pintor español Vela Zanetti, donde uno representa a Apolo, en actitud de defensa de las musas y el otro el nacimiento del arte.

Entre los directores que han estado al frente de este monumental palacio se encuentran: Rafael Díaz Niese, Jaime Colson, Héctor Incháustegui, Néstor Caro, Enrique de Marchena, Horacio Vicioso, Máximo Avilés Blonda, Virgilio Díaz Grullón, Pedro René Contín Aybar, Aliro Paulino Hijo, Pedro Morales Troncoso, José de Jesús Álvarez, Darío Suro, Prósper Puig Cohén, Aris Azar, Emil Boirie de Moya, Rubén Suro, José Delmonte, Arístides lncháustegui, nManuel Marino Miniño, Florencia Pierret, Carmen Heredia, Ricardo Bello, Franklin Domínguez, Bruno Rosario Candelier y Rafael Villalona.

Desde 1940, año en el que se crea la Dirección General de Bellas Artes, a la fecha, esta institución ha tenido veinticuatro directores.

De 1940 al 2000 han discurrido sesenta años, tiempo que en términos humanos comprende dos generaciones. En Término filosóficos, la vida de una institución es incuantificable, por lo que tendríamos que acudir a los parámetros de las realizaciones definidas en su estructura ideológica y en el perfil que la identifica como institución que ocupa un nicho en el quehacer de la dinámica social estimulada por la indetenible marcha del desarrollo, del progreso, del avance de la ciencia y la tecnología.

No nos toca hacer un juicio respecto a los resultados obtenidos a la fecha por la sexagenaria Dirección de Bellas Artes, tan solo vamos a comprometernos ante las presentes generaciones y ante las futuras a dejar una impronta que sea orgullo para el país y en especial para toda la familia artística nacional.

EL VALOR ESTÉTICO

Los valores estéticos varían en función de las ideas de cada época y se expresan en las manifestaciones artísticas de los pueblos.

De este modo se explica que la pintura del hombre primitivo evolucionara del sentido mágico de sus representaciones pictóricas al sentido conmemorativo que tiene el dolmen.

Sin embargo, en las culturas antiguas y de la Edad Media la religión tiene aun un peso muy importante en el ar­te. Los estilos se suceden pero las ideas religiosas, la muerte son preocu­paciones que toman vida en el arte: los templos en la India, en Egipto… por poner un ejemplo, son muestras de este sentido religioso de la vida                          

Es preciso, Sin embargo, hacer excepción de la cultura de Grecia y de Roma, más preocupadas por el hombre. Esta preocupación por el hombre les lleva a la bus que­da de la belleza, de la proporción, de la armonía y del equilibrio. Los romanos, por su parte, dieron mucha importancia a los edificios civiles, a los monumentos conmemorativos y a las obras públicas: calzadas, acueductos, anfiteatros… son propias del imperio romano. Los dioses griegos y romanos son permisivos y tienen las mismas pasiones de los humanos.

Los templos de los griegos y de los romanos son, por tanto, más ligeros, menos opresivos, no se trata, pues, del dios de los cristianos que se manifiesta en el arte robusto y pesado del visigótico. Este arte va acercándose mas a Dios y se va haciendo un poco mas estilizado en el románico, aunque aun con espacios ce­rrados sobre sí mismos, para culminar en el gótico con estructuras más esbeltas, y pinturas y esculturas menos hieráticas.

A finales del siglo XV y principios del siglo XVI la economía se transforma. La burguesía naciente se interesa en los instrumen­tos fundamentales del sistema capitalista: la carta de crédito, la banca…

Se buscan nuevas rutas mercantiles y se llega a América. Se re­nueva la preocupación de Grecia y Roma por el hombre, así se hacen notables avances en ciencia, se da al traste con los señores feudales y aparecen las monarquías absolutas y los mecenas. EI mundo rural de la Edad Media se hace culto. Los nobles cons­truyen palacios y protegen a los artistas: florecen así, la pintura, la escultura y el arte en general.

Durante el siglo XVII el teatro y la música conocen un desarro­llo hasta antes desconocido. La arquitectura y la pintura cobran más movimiento, llegando hasta la teatralidad.

El siglo XVIII es, en cambio, el Siglo de las Luces: la razón, el progreso, la búsqueda de la felicidad personal, la critica a ignorancia y a la superstición hacen que al margen de la culminación del barroco con el rococó se renueve el interés por el ser humano y, por tanto, por el Renacimiento: surge así el neoclásico. Es la época de la Revolución Francesa, que con la declaración de los derechos del hombre y del ciudadano, será la gran inspiradora del arte occidental de la época.          

En la primera mitad del siglo XIX se expandió la Revolución Industrial por el continente europeo, luego llego a Japón y a Estados Unidos. Estas revoluciones trajeron consigo otras: la de la agricultura, la del transporte y la demográfica. Los movimientos liberales cobran auge en el mundo. Estas revoluciones liberales y las ideas de la Revolución Francesa se traducían en movimientos por la lucha de la independencia en los países americanos.

En esta época se producen también grandes avances en la ciencia y en la técnica. Las ciencias sociales también experimentan un gran desarrollo.

El idealismo y el positivismo filosóficos influyen mucho en los movimientos artísticos y literarios de la época.

En la primera mitad del siglo XIX surgió el romanticismo. En la segunda, el realismo y el materialismo.

La arquitectura romántica imitó los estilos de la Edad Media. El neogoticismo, junto con la arquitectura de corte modernista de la última etapa del siglo XIX, son características. La pintura y la escultura obedecen a las mismas características. La música también conoce un gran desarrollo en esta época.

El siglo XX es una época de grandes contrastes. Nuestro siglo conoce un enorme y veloz desarrollo de la ciencia, de la técnica y de la tecnología en medio de grandes desastres, como la crisis económica de 1929, las dos guerras mundiales, la guerra de Vietnam… Hoy la guerra de los Balcanes es aun un símbolo de la época.

Entre los signos de la cultura de nuestro tiempo están, pues, la incertidumbre, la crisis del racionalismo, la pérdida del optimis­mo, la cultura de masas, el relativismo cultural, la perdida de las utopías … Nuestro tiempo es, pues, incierto, es rico y pobre al mismo tiempo es, sin duda también, muy diverso. Esta gran di­versidad se manifiesta, a su vez, en una gran cantidad de movi­mientos artísticos que en pintura van des de el arte figurativo hasta el abstracto. Los movimientos más importantes son: el fauvismo, el cubismo, el expresionismo, el surrealismo y la pintura abstracta.

En arquitectura se hace énfasis en las funciones a que se destinan los edificios (funcionalismo).

La escultura, como la pintura, se vuelve expresionista, cubista, abstracta y figurativa.

El cine se convierte en el arte de nuestro tiempo y en los últimos albores del siglo, el video parece pasar a ocupar el lugar de la sala de cine.         

 

GLOSARIO DE ARTES PLÁSTICAS

Artesanía: Arte manual. Labor de artesano que es la persona que ejerce un arte u oficio mecánico.

 Arcilla   : Sustancia mineral que empapada en agua, se hace maleable y fácil de trabajar. Su uso es corriente en alfarería.

 Bidimensional: Forma que solo cuenta con dos dimensiones, largo y ancho.

 Capacidad creadora o creatividad: Comportamiento constructivo, productivo que se manifiesta en acción o en realización.  Es la habilidad de destacarse con nuevas ideas o descubrir nuevas relaciones.

 Colores puros: Son aquellos que no contienen mezcla de otro color como los primarios o básicos.

 Colores  análogos: Tienen diferencia entre sí. Están colocados uno al lado del otro en el círculo cromático y tienen armonía.

 Colores complementarios: Son aquellos que están diametralmente opuestos en el círculo cromático y son armónicos entre sí.

  Colores pardos o neutros: Son los que pueden obtenerse con diferentes mezclas como el gris y el marrón.

 Composición: Acción y efecto de componer.  En el campo de la plástica es la correlación existente entre la figura y el fondo que permite la integración de formas, líneas, valores, colores y texturas.

 Configuración: Disposición de las partes que componen una cosa y le dan su peculiar figura.

  Círculo cromático: O rosa cromática es una representación convencional que resume la teoría de la descomposición de la luz solar, la pone en evidencia y facilita el análisis de la escala de colores del espectro solar.

 Collage: Técnica que permite la aplicación de elementos variados sobre una pintura, por ejemplo pedazos de tela, fibras vegetales, etc.

 Dibujo: Arte o acción de dibujar.  Representación de una figura o forma en una superficie plana» por medio de lápiz o pluma.

 Diseño: Estudio previo de una forma a través del dibujo.

 Descripción: Bosquejo de alguna cosa hecha en palabras.

 Escultura: Arte de modelar o tallar figuras en tres dimensiones» usando mármol, madera, barro u otro material conveniente.

 Espectro: Los colores del arco iris que se producen por la dispersión de un haz de luz blanca; la disposición de los colores según el orden de sus longitudes de onda.

 Maqueta: Representación en tamaño reducido, de una obra arquitectónica.

 Modelado: Es la actividad que se rea liza con materiales maleables, mediante el uso de las manos y herramientas adecuadas.

  Naturalismo: Movimiento que tiene como meta una concepción artística basada en la realidad, en lo natural y no según reglas o fórmulas preconcebidas.

Perspectiva: Arte de representar en una superficie los objetos tal como aparecen a 1a vista.

Pintura: Arte de pintar.  Cubrir una superficie con una capa de color.  Representar o figurar personas, objetos, paisajes, etc., en una superficie por medio del color.

 Relieve: Labrado de una figura que resalta sobre o bajo un plano.

 Tallado: Acción y efecto de tallar.  Dar  forma a alguna cosa o elaborarla cortando en ella.

 Tridimensional: Forma o cuerpo que tiene tres dimensiones:  largo, ancho y profundidad.  Esto implica que el objeto tiene volumen.

 

EL GRABADO

El grabado es una técnica que consiste en grabar planchas para la reproducción o impresión de imágenes. También recibe este nombre la plancha grabada y la imagen obtenida con este procedimiento. El grabado es un sistema de reproducción muy antiguo, perfeccionado hoy por los avances de la técnica.

Hay varios tipos de grabado:

La xilografía es una técnica muy antigua y simple de impresión en relieve. Para imprimir en xilografía se puede usar cualquier tipo de madera, siempre que esté bien curada. Para ello se dibuja la imagen que se desee imprimir sobre la madera o se calca con
papel carbón. Después se procede a esculpir el grabado de acuerdo con el diseño.

El grabado a contrafibra también se lleva a cabo en madera. Las maderas más adecuadas son las duras. La línea de este grabado es delicada y precisa. Por ello se necesitan instrumentos finos y afilados.

El grabado en linóleo se hace, como su nombre lo indica, en linóleo. El más adecuado es el que tiene un espesor de 6.5 Mm. y es semiblando. Este material es el mejor para llevar a cabo impresiones en color. Picasso (1881-1973) y Matisse (1869-1954) utilizaron este tipo de grabado.

El grabado en hueco tiene dos vertientes principales: el aguafuerte y el grabado en metal.

La imagen se graba en una plancha de madera por incisión, grabado, o con ácidos, aguafuerte. Luego se recubre la plancha de tinta. Por último se limpia la tinta de la superficie.

El grabado de línea es de un método muy antiguo. Con este método se grababan las armaduras en la Edad Media. El trabajo es sencillo. Se trata de grabar líneas finas y duras sobre el metal.

El grabado a punta seca consiste, como en el caso anterior, en grabar líneas sobre metal. La diferencia consiste en que en este caso la cresta que se forma a cada lado de la línea no se elimina. Sin embargo, en el grabado a línea se quita.

Entre los artistas que utilizaron el grabado a punta seca están Rembrandt van Rijn (1606-1669) y Jacques Villon (1875-1936).

La mediatinta aparece en el S. XVII y perdura hasta nuestros días. Es muy utilizada para reproducir pinturas. Los artistas de hoy están muy interesados en este tipo de grabado.

Se denomina litografía al proceso de impresión química con planchas de piedra. Así se reproducen imágenes planas. ‘

Entre los artistas que utilizaron la litografía están: Goya (1746-1828), Honore Daumier (1808-1879),  Edouard Vuillard (1868-1940),  Pierre Bonnard (1867-1947). Más recientemente Matisse y Picasso.

LA TEXTURA

La percepción de la composición.
Cuando observamos un cuadro podemos percibir su composi­ciòn. En el nivel anterior se trató la composici6n triangular, la composición por medio de la luz y el color, la composición con líneas y formas geométricas. 

 La percepción de las texturas.
La textura de una superficie es percibida por los sentidos del tacto y de la vista.

Textura táctil.
Es aquella que, debido a que presenta cierto relieve, se percibe mejor por el tacto. Por ejemplo, con ver un papel de lija percibimos que es rugoso y espero,  sin embargo, so1o pa­sando el dedo por su superficie cono­cemos como es de rugoso y  áspero. Son texturas táctiles la rugosidad de la madera sin pulir, las pinceladas carga­das de materia en un cuadro, etc….

 Textura visual.
Es aquella que percibi­mos en superficies total mente lisas y se aprecia por la vista. Son texturas vi­suales la disposición de las vetas en el mármol pulido, los grafismos utiliza­dos en un dibujo, etc.…

 Expresividad de las texturas.
No todas las texturas producen las mismas sensaciones en quien las contempla. Según su expresividad, podemos clasificarlas en suaves o rugosas, opacas o transparentes, duras o blandas, ma­tes o brillantes, ligeras o pesadas, compactas o porosas, vigoro­sas o débiles, enérgicas o delicadas…

Criterios de selección de texturas.
Tanto las texturas naturales como las artificiales pueden ser ma­nipuladas para modificar su aspecto a para crear nuevas. Los criterios de selección de texturas suelen ser los siguientes:

 EI funcional.
Es la adecuación de la calidad de la textura al uso que se va hacer del objeto. Por ejemplo, a una cuchara se le da una textura lisa y dura en función de su uso.

 EI estético.
Obedece al deseo de agradar al usuario o espectador.

 EI expresivo.
Se selecciona una determinada textura con el objeto de transmitir una idea o de susci­tar una reacción. Por ejemplo, se puede pulir el mármol de una escultura para comunicar la sensación de delicadeza o se puede dejar sin pulir para comunicar la sensación de vigor o de naturalidad.
Crear nuevas texturas es una tarea divertida y   gratifi­cante que nos vincula con el mundo de los materiales y de las técnicas plásticas.

Texturas visuales

El frottage.
Consiste en seleccionar superficies mas 0 menos rugosas para reproducir su relieve en un papel. Se debe proceder así: una vez esco­gido el relieve que mas agrada, se coloca el papel sobre el relieve y se raya ayudándose de lápices de grafito de colores, de ceras …

EI salpicado.
Este procedimiento consiste en verter pintura so­bre el soporte salpicando y  goteando. Un meto­do consiste en impregnar de pintura un cepillo y sacudir sus cerdas con el dedo salpicando todo el soporte. Otra forma de obtener esta textura consiste en utilizar rotuladores de colores: se vierte alcohol en su interior y se sopla para que caigan gotas de tinta diluida sobre el papel.

EI estampado.
Es una línea del diseño en la que el motivo gráfico se repite sobre la superficie de papel produciendo bellos efectos plásticos. Este procedimiento se basa en impregnar de pin­tura una superficie salida como un dedo, un cor­cho, una esponja… para después estamparlo so­bre el soporte y dejar las marcas.

La pintura flotante.
Este procedimiento consiste en derramar pintura de aceite sobre un recipiente lleno de agua. Se re­mueve la pintura, para mezclar los colores. Se po­sa una hoja de papel sobre la capa de pintura que flota en el agua y por último se levanta.

 Texturas táctiles

 La técnica mixta. 
 Consiste en mezclar las pintu­ras con materiales naturales y artificiales de as­pecto granuloso, como arena, serrin, tierra, azu­car, etc.

Las ceras fundidas
Para elaborar esta textura se necesita disponer de virutas de ceras duras de varios colores, unas hojas de papel y un paño. Se colocan las ce­ras sobre el papel y encima se coloca el paño, después se planchan con la plancha tibia. cuan­do se note que la cera se ha fundido, se separa el papel del paño.

Los materiales con relieve
El usa de materiales con relieve como cartón, papeles arrugados, telas arrugadas, encajes, telas metálicas, sogas, sacos, hojas secas o cual­quier otro objeto… como soporte permite obte­ner texturas tridimensionales.

EI collage
Consiste en pegar objetos o materia­les con relieve, como por ejemplo, poliespan, corcho, tela, hojas, palillos,… sobre papel, que posteriormente se pueden pintar para unificar las texturas y para producir el efecto deseado.  

 En el proceso de realización de un collage se siguen normalmente estos pasos:                                

 1)    se estructura la composición, tanto si es figurativa como si es abstracta, mediante el trazado de las líneas organizadas del espacio.

2)     Se recortan materiales gráficos diversos (fotografías, anuncios, textos…) de acuerdo con aquello que se quiere expresar: plano principal, la sensación de cercanía o profundidad, las cualidades de los objetos, etc.

3)     Se pegan los recortes conforme a las líneas organizadas de la composición.

 El estarcido Como se hace:

 1)     Se delimita a línea los planos cuya superficie se va a colorear mediante el estarcido.

2)     Se recorta una plantilla para cada uno de los colores que se vayan a emplear.

3)     Se coloca la primera plantilla sobre el papel de forma que el hueco recortado coincida con el plano que se va a colorear.

4)     Se pulveriza la tinta sobre la plantilla mediante una de estos procedimientos: soplando la tinta con un pulverizador, frotando un cepillo entintado o pasando un pincel sobre una tela metálica.

5)     Se realiza la misma operación con cada una de las plantillas restantes.