BAILES FOLKLÓRICOS DOMINICANOS

Baile Ritual de los Congos (Villa Mella).

Muy cerca de la ciudad de Santo Domingo, se practica este baile el cual se acompaña de dos tambores de dos parches, uno largo y el otro pequeño, gran número de maracas y un instrumento, idiófono, muy particular llamado “canoíta”.

Lo característico de esta danza ritual dedicada al “Espíritu Santo” es el traje blanco de los danzantes, la profusión de joyas con que se adornan y sobre todo, la forma especial de cambiar parejas durante el baile. La reina que preside el baile, es una reminiscencia de la época de la esclavitud en que los cabildos y cofradías de origen negro, trataban de preservar sus costumbres, aunque las arroparan de culto católico.

Baile de la Culebra:

Esta es otra de las danzas traídas a nuestro país por los cubanos, aunque de origen africano. Se trata de dar muerte a una culebra, y es una verdadera pieza de teatro folklórico, en el cual interviene mucho la pantomima. Este baile hacía mucho que se había dejado de practicar en los carnavales dominicanos y fue rescatado por Fradique Lizardo, pero posteriores investigaciones han permitido recoger la obra completa, de la cual se presenta la parte de la muerte de la culebra.

Merengue:

Se le llama la danza nacional dominicana por ser conocida y querida por todos. En esta composición coreográfica la pareja central interpreta el “merengue de figuras” tal como fue recogido por Edna Garrido en 1946, en ]acagua, mientras el coro hace figuras del merengue recogido más reciente mente en Licey al Medio. Se agregan además el Merengue “redondo” de Samaná, el “Juangomero” de la Línea y el “Palmbiche” origen Puertoplateño.

Déjame Volver al Nido:

La criolla, es una canción de origen dominicano, que se usó mucho para dar serenatas a fines del siglo pasado, en los primeros lustros del presente. La Paloma, es una bella melodía, con unos textos literarios llenos de ternura y predicando el amor a los hijos sobre todo, esta vez en boca de una paloma, que pide que la dejen criar sus hijos y la matan luego.

Tumba:

Esta fue la danza considerada nacional en Santo Domingo, a mediados del siglo pasado, pero el empuje del merengue, hizo que esta danza se volviera obsoleta y para muchos había desaparecido por completo. En 1947, Edna Garrido grabó la música y en 1955, Fradique Lizardo rescató la coreografía de Margarita Aclames Calderón, una anciana que fue traida a Santo Domingo para que practicara y enseñara la danza. Es baile de cuadrilla con variadas figuras y porte muy aristocrático como era el tipo de danzas de moda en los salones elegantes hasta muy entrado el siglo pasado. Constituye uno de los elementos de la cultura popular dominicana más agradable de ser, por la gallardía y buenas maneras que deben mostrar los practicantes de esta danza en todo momento presenta numerosas figuras, las cuales son ordenadas por el bastonero que dirige a los danzantes. .

La Paloma:

Esta criolla, es la sublimación del amor, pues se canta a la amada en forma de paloma. Este tipo de canciones, era el preferido para las serenatas, que se daban al pie de la ventana y si era correspondido encendía una luz y daban las gracias.

Escena Ritual:

En la siguiente estampa, se han unido varios aspectos de la religiosidad popular dominicana, que nos permite apreciar creencias.

La religión popular dominicana se caracteriza por su creencia en los Luases o Espíritus que rigen la vida de los hombres. Esta no es más que la versión dominicana del Vudú de la cual se presentan solamente algunas estampas, y que aquí e incluyen, para proyectar esta parte de las creencias esotéricas del dominicano que sean conocidas de todos:

a) Encarnación de los Guedeces: Los Guedeces son espíritus burlones, que muchas veces salen sin ser involucrados, hacen bromas a los invocantes, pero se niegan a dar nada, pues son muy celosos de sus posesiones. Pertenecen a la División Negra de los Luases y se supone que viven en la barriga del Barón del Cementerio.

b) Bautizo ritual: Es la ceremonia en la cual la médium lava la cabeza a quienes van a servir a los Luases, como medio de simbolizar su dedicación.

c) Encarnación de Síu Dantó: Mientras los coros invocan, se comienza a desarrollar la encarnación de los Luases. Silí Dantó, diosa o metresa del Panteón de los Luases y espíritu refinado y aristocrático, se apodera de la Médium y con una rosa abre los trabajos de la noche y bendice a todos los presentes. Silí Dantó es la encarnación de Santa Rosa de Lima.

d) Encarnación de Balié Bellcin: Sube una encarnación anunciando a su vez por el coro, se trata nada menos que de Balié Belkán, la encarnación de San Miguel Arcángel, quien viene a proteger a quienes los invocan, pues es espíritu protector y destruye y pisa al enemigo como destruyó al demonio.

e) Baile ritual de Palos o Atabales: Prosigue esta estampa con el baile ritual de Palos o Atabales, que está íntima, mente ligado a las celebraciones de los Luases, aunque no es la única ocasión en que se practican. La estampa permite apreciar a los Reyes de los Palos, que son el remanente de los reyezuelos africanos que se conservaron en las cofradías.

f) Encarnación de Candelo: Sube Candelo a la Médium y va avanzando sobre los bailarines, agita su pañuelo rojo y trata de que todos caigan bajo su influjo.

g) Trance General y Final: La influencia de Candelo los ha alcanzado a todos, caen en un trance general y con movimientos espasmódicos los hombres y las mujeres cayendo y gritando, se logra un trance general. Todo cuanto hemos visto en esta escena ritual, nos pone en posición de aquilatar el sincretismo mágico religioso en la religiosidad popular dominicana, en la cual los esclavos africanos aportaron sus dioses y creencias y la disfrazaron de Santos y Vírgenes Católicos, como una forma de preservar sus creencias ante la persecución religiosa que pretendía prohibir sus manifestaciones culturales que afortu- nadamente sobrevivieron para hacemos más ricos

GÉNEROS Y ESTILOS DRAMÁTICOS

Dentro del teatro podemos diferenciar tres géneros principales:

Género mayor: Tragedia, comedia, drama; el género menor: Monólogos, diálogos, farsas, pasos, loas, autos, églogas, revistas, entremeses, etc. y el género musical: ópera, zarzuela, opereta, ballet, drama lirico…

José Forms divide las obras dramáticas solo en dos grupos: poe­mas dramáticos mayores y menores.

Genero mayor
La tragedia pertenece al género mayor. Es de origen griego. A veces se acompaña de música. Tiene siempre un final trágico. Esta escrita en verso. La comedia  también pertenece al género teatral mayor y representa una acción cómica, divertida y de buen humor. Es amena y alegre, y, por lo tanto, su final siempre es feliz. Utiliza argumentos propios de la vida diaria y está escrita casi siempre en prosa. El drama mezcla lo trágico y lo cómico. Puede estar tanto en prosa como en Escena de teatro. Decoración de verso. Pertenece al género teatral mayor. Una cratera griega.

 Género menor
Entre las formas teatrales del género menor esta el monologo, que es una obra teatral en la que participa únicamente un actor o personaje en todos los actos. Toda la trama y responsabilidad de la obra recae en ese actor, por lo que debe ser muy experimentado en las tablas para poder mantener la atención del público él solo. En el dialogo participan dos actores que son los protagonistas de la obra. La farsa es una pieza teatral no realista, con un fuerte contenido crítico y de corte humorístico a la vez, en la que se acentúan determinadas situaciones no solo con el único fin de divertir sino también para poner al público a pensar.

La égloga es una obra teatral escrita en versos, y como composición poética perteneciente al género bucólico trata sobre escenas pastoriles.

Se llamo auto a las primeras piezas del teatro español, en las cua­les los personajes eran símbolos o alegorías. Los autos sacra­mentales eran de contenido religioso o moralizante, por lo que también fueron llamados misterios o moralidades. También los había sobre temas profanos.

Loa es el prologo de las piezas teatrales de género cómico duran­te el Siglo de Oro español. Su nombre se debe a que en esta obra teatral el autor elogiaba a la persona 0 personas a quien dedicaba su obra. Calderón de la Barca y Sor Juana Inés escribieron muchas loas religiosas y alegóricas que se presentaban antes del auto de las festividades del Corpus Cristi.

El paso es una pieza breve de carácter jocoso que se presentaba como contraste entre dos actos de una obra mayor, generalmente seria y dramática. También fue usada en las comedias. Surgió en España durante la primera mitad del siglo XVI. Los pasos fue­ron los antecesores de los entremeses cervantinos y de otras piezas cómicas breves.

Género musical
Al género musical pertenecen la opera, la zarzuela, la opereta, el ballet, el drama lirico…

PERIODOS DE LA HISTORIA DEL TEATRO

EI teatro en la prehistoria
Las primeras manifestaciones teatrales aparecieron en el Paleolítico Superior a través de actos rituales mágico-religiosos, jue­gos, danzas guerreras y religiosas, brujería, tramas, gestos, imi­taciones, mascaras, caretas, maquillaje para disfrazarse o camuflajearse.

EI teatro en las culturas antiguas
En la India, Japón y Egipto el teatro oriental toma elementos de la tradición popular y de las fabulas. Con excepción de la India, los actores siempre fueron hombres. Para transformarse en mu­jeres empleaban las mascaras o el blanco y negro en la cara del teatro chino. En Egipto, los temas teatrales se relacionaban con la muerte y con la resurrección de Osiris.

El teatro japonés tiene varias escuelas: EI noh es un drama bre­ve que se baila, se canta y se representa en un espacio decorado con un biombo pintado con un pino. El kabuki es mucho más re­ciente. Nació de los espectáculos de marionetas sobre historias de guerras y conquistas. En el teatro bunraku aparecen grandes muñecos manejados cada uno por una persona enmascarada y vestida de negro para pasar desapercibida.

En el teatro chino hay una mezcla de mimo, opera, acrobacia y los juegos de manos mediante los cuales se representan animales, personajes con las sombras que proyectan los dedos y manos.

EI teatro griego
EI teatro como obra dialogada 0 en mono logo presentada ante un público y escrita en prosa o en verso, tuvo su origen en Occidente, en la antigua Grecia, en las fiestas dionisiacas en las cua­les las obras dramáticas formaban parte de los espectáculos or­ganizados anualmente en honor al dios Dionisos 0 Dionisio. Por 10 tanto, el origen del teatro griego es religioso. Los tres grandes trágicos griegos fueron los atenienses Esquilo (525-456 a. C.),

La comedia griega se presen­to en dos formas: La comedia antigua ateniense cultivada por Aristòfanes, que consistía en una especie de sátira social y política. La comedia nueva a la cual se dedico Menandro sobre la pintura de costumbres.

EI teatro romano
El teatro de circo fue el que prevaleció en la escena romana. Su función era divertir.         

Teatro medieval
Durante la Edad Media, las manifestaciones teatrales se limita­ron casi exclusivamente a representaciones de episodios bíblicos y de vidas de santos. Existían dos formas de teatro: la cris­tiana y la profana. En el primero hay que citar: El drama litúrgico era una forma teatral musical que complementaba las ceremo­nias eclesiásticas y las vinculaba al canto gregoriano. Los tropos eran diálogos que se insertaban en el texto litúrgico.

En el teatro cómico y profano medieval la farsa adquirió importancia. Tenía como fin el divertir describiendo la realidad en for­ma cruel. El tema principal de la farsa era la observación irónica de la vida conyugal, la critica a los señores y a los campesinos.

Teatro renacentista
A diferencia del teatro medieval que estuvo centrado mayormen­te en la religión, el teatro renacentista se centro en la figura del hombre y su realidad. Dentro del teatro del Renacimiento (siglos XV y XVI) empezó una tendencia al cultismo, a las citas de autores clásicos y a utilizar elementos mitológicos.

La revolución económica renacentista llegó hasta los actores quienes, a finales del siglo XVI, dejaron de ser servidores de los nobles. Surgieron las cooperativas teatrales autónomas. El teatro Rose, el Swan y el Globe fueron los anfiteatros más famosos construidos al aire libre entre las numerosas salas de teatro con capa­cidad para miles de espectadores.

EI teatro del Siglo de Oro
Entre el Renacimiento y el Barroco, es decir entre los siglos XVI y XVII surgieron grandes genios de la literatura universal como Shakespeare (1564-1616), creador de la tragedia moderna e inti­mista.

En esta época es cuando se desarrolla en España el gran Siglo de Oro. EI creador del teatro español, a la vez nacional y popular fue Lope de Vega (1562-1636). Escribió El mejor alcalde, el rey, Peribañez y el comendador de Ocaña, Fuenteovejuna, El caballero de Olmedo, El acero de Madrid, La moza del cántaro, entre otras.

Otros dramaturgos importantes del Siglo de Oro español fueron:

Tirso de Molina (1584-1648), con su comedia El burlador de Sevilla, donde presenta el tipo legendario de Don Juan.

Calderón de la Barca (1600-1663), quien introduce en sus obras elementos esenciales de la escena española, como el sentimien­to de honor en El alcalde de Zalamea, el elemento religioso en los Autos sacramentales y el elemento filosófico en La vida es sueño.

-Juan Ruiz de Alarcón, con una preocupación moralizadora en su obra La verdad sospechosa.

 En Francia, durante el llamado “Grand Siecle”, resaltan los dramaturgos Pedro Corneille como creador del teatro clásico francés, Racine como máximo representante de la tragedia clásica y Moliere en el género de las comedias.

En Inglaterra, el clasicismo teatral lo representan las obras de Wi­lliam Shakespeare (1564-1616), Ben Jonson (1572-1637), Christopher Marlowe (1564-1593), Thomas Kyd (1558-1594) Y John Ford (1586-1639). Ellos pertenecen al periodo isabelino.

Shakespeare escribió muchas tragedias y comedias cuyos perso­najes eran representativos de las pasiones humanas. Así pues, Hamlet representa la duda; Otelo, los celos; Macbeth, la codicia; Rey Lear, la debilidad; Romeo y Julieta, el amor, etc. También se dedico a temas históricos sobre Inglaterra (Enrique IV, Ricardo If, Ricardo VII!) y a la antigüedad clásica como en Antonio y Cleopa­tra, Julio Cesar, etc. Entre sus comedias sobresalen: El mercader de Venecia, La fierecilla domada, Sueno de una noche de verano…

Teatro romántico
EI período romántico del teatro abarca todo el siglo XIX. Los temas de las obras pueden interesar al gran público: dramas sentimentales, problemas amorosos, patriotismo, heroísmo, metafísica,… La figura más representativa del romanticismo francés fue Víctor Hugo (1802-1885). Cultivo todos los géneros Iliterarios y dramáticos.

Teatro contemporáneo  del siglo XX
En el siglo XX ocurre la gran revolución teatral como consecuencia de una reflexión sobre la naturaleza misma del teatro. El centro de atracción del espectáculo deja de ser el dramaturgo para dar paso al director escénico. Surge también el “hombre de teatro” que es dramaturgo, director escénico, actor y maestro de su propio método. Las corrientes del teatro contemporáneo son:

El teatro realista
A principios del siglo XX, el dramaturgo noruego Henrik Ibsen llevo a la escena los dramas de la sociedad contemporánea desde los puntos de vista social y sicológico. Así surgió el teatro realista.

El teatro libre o naturalista
Andre Antoine (1858-1943) fundó en 1887 el Theatre Libre, en el cual se acentuaba la natu­ralidad de sus espectáculos. Jean Cocteau, Charles DulIin, Lugne Poe, Serge Pitoeff, Gaston Baty, Louis Jouvet, entre otros, cultivaron esta nueva corriente estética.

En Rusia, el máximo representante del natura­lismo teatral fue Konstantin Sergueievich Stanislavski, quien dejo su método de interpretación en su libro Un actor se prepara.

En Estados Unidos, Eugene O’Neill (1888-1953) es el pionero del teatro norteamericano del siglo XX. Entre sus dramas esta: Deseo bajo los olmos… Sus seguidores fueron: Tennessee Williams (1911-1983): Un tranvía llamado deseo, La gata sobre un tejado de zinc,… cargadas de un intenso lirismo; Arthur Miller (1915- ): La muerte de un viajante, con un fuerte contenido político y social; Eduard Albee (1928-): ¿.Quien teme a Virginia Woolf? ..

En Alemania se destacaron Georg Kaiser (1878-1945): Del amane­cer a medianoche, El incendio de la opera, Gas y La huida a Vene­cia y Ernst Toller (1893-1939): jHurra, vivimos!

En Inglaterra, a principios del siglo, Georges Bernard Shaw (1856 -1950): Pigmalión, El carro de las manzanas,… Otros drama­turgos fueron: John Millington Synge (1871-1909), Sean O’Casey (1880-1964) Noel Coward (1899-1973), John B. Priestley (1894­1984), John Osborne (1929-1994): Las uvas de la ira. Harold Pinter (1930): El amante, y guiones para cine (El sirviente).

Teatro épico expresionista alemán
El movimiento expresionista surgió como una reacción a los nazis. Bertolt Brecht (1898- 1956) fue el máximo representante del arte teatral en el siglo XX. Entre sus obras están Tambores en la noche, Terror y miseria del Tercer Reich. Brecht utilizo la participación activa del espectador en el hecho teatral.

Teatro de la crueldad
Dentro del movimiento surrealista del arte nace el teatro de la crueldad de Antonin Artaud (1896-1948). Entre sus seguidores están: Julien Beck y Judith Malina (norteamericanos), Jerzy Grotowski del Teatro Laboratorio de Cracovia, Jodorowsky y Topor del Teatro Pánico en Paris; Fernando Arrabal en España.

EI teatro del absurdo
Esta otra corriente teatral del siglo XX está inspirada en el exis­tencialismo de Albert Camus. Los temas tratados en las obras giran en tomo a lo absurdos de la condici6n humana. Se considera a Luigi Pirandello (1867-1936) precursor del teatro del absurdo:

Seis personajes en busca de autor. Otros autores de esta corriente son: Jean Cocteau (1889-1963), Samuel Beckett (1906-1989), Ar­thur Adamov (1908-1970), Dino Buzzati (1906-1972). N. F. Simpson (1919-) y Jean Tardieu (1903).

LAS DANZAS DE LA EDAD ANTIGUA

Las bailarinas sagradas de la India, además de bailar, tenían que cuidar el templo. – En China, las danzas lentas tenían una moraleja para enseñar al público a amar lo bueno y lo bello. – En Japón, la danza era el enlace entre el ser humano y Dios. – En Egipto la danza estaba relacionada con la muerte y la resurrección. – En Grecia, los bailarines y demás artistas del espectáculo tenían el privilegio de no hacer el servicio militar y de poder cruzar las líneas de combate cuando las ciudades estaban en guerra. Las danzas griegas podían ser religiosas y dramáticas. – En Roma existían las danzas de hombres llamadas baile de los salios. Los bailarines percutían con las lanzas sobre sus escudos.   – En Bizancio, las danzas eran religiosas, patrióticas y privadas. Se hacían en nombre de algún dios: Zeus, Apolo, Afrodita…

Danza medieval

En la Edad Media, los fieles bailaban ciertas danzas ceremoniales o danzas de culto para honrar a Dios en un lugar llamado bal1atoria o choraria destinado para esos fines en algunas catedrales. Las danzas ceremoniales y rituales existieron separadamente de las danzas de entretenimiento tanto de las clases altas como las del pueblo. La moresca fue una especie de crónica bailada inspirada en la leyenda del Cid que presentaba las luchas entre los cristianos y los infieles.

Danza renacentista

En esta época, en las cortes europeas se bailaban los bailes formales de los campesinos como la “Basse Danse” (danza baja) en la cual los pies no se levantaban del piso alternándose con la “Haute Danse” (danza alta), en la cual había saltos, piruetas y brincos. Esta última era bailada especialmente por hombres, porque las mujeres vestían trajes muy largos que les impedían saltar. Cada una de estas danzas tenía sus propios pasos y diseños especiales los cuales seguían reglas estrictas.

Durante el Renacimiento, las danzas fueron la diversión de príncipes y cortesanos en las fiestas, mascaradas o bailes de masca­ras y banquetes. Poco a poco, los bailarines profesionales fueron sustituyendo a los aficionados de la nobleza. Cuando surge la edificación del teatro, las danzas cortesanas (ballet de Cour) de­jan de realizarse en el salón de baile de la corte y pasan al teatro como espectáculo, donde se tenía que pagar una entrada.

Danza clásica

La danza clásica o ballet aparece como diversión en las cortes italianas y francesas de los siglos XVI Y XVII. Los comienzos del ballet clásico se remontan a 1661, cuando el rey Luis XIV de Francia creo la Academia Real de Danza con el fin de codificar las danzas de la corte (ballet de Cour). Su director, Beauchamps (1636-1705), creo las cinco posiciones básicas del ballet.

Los primeros ballets consistían en una sucesión de danzas sin música ni poesía, pero a partir de 1661, Moliere, actor y dramaturgo francés, empezó a usar el ballet como parte de sus obras. Desde 1670, los bailarines profesionales sustituyeron a los aficionados. En 1713, el teatro de la Academia Real de Danza, llamado la opera de Paris, estableció una compañía permanente de bailarines.

El ballet romántico

A principios del siglo XIX, las bailarinas empezaron a bailar so­bre las puntas de los pies, endureciendo las puntas de sus zapatillas y así obtener una mayor superficie de apoyo. María Taglioni fue la primera en utilizar las zapatillas de puntas.

La danza moderna

La danza moderna tiene sus antecedentes en el florecimiento del ballet ruso en la segunda mitad del siglo XIX. En los ballets EI Lago de las Cisnes y La Bella Durmiente de Tchaikovski los baila­rines rusos desarrollaron un estilo diferente. A partir del éxito logrado por los bailarines rusos en Paris en 1909, surgieron nuevas técnicas y estilos de danza que incluían movimientos más espontáneos, mas angulosos …

Paralelamente al auge del ballet moderno en el siglo XX, se desarrollan otros métodos de educación musical, tales como la Rítmica de Jacques Dalcroze (1865-1958), los cuales se fundamentan en la expresión corporal y la danza moderna para desarrollar al máximo las capacidades rítmicas y psicomotoras, lateralidad, senti­do corporal-espacial, coordinación neuromuscular del niño.

LA DANZA

Al igual que la música, la danza existió desde los principios de la humanidad como parte esencial en los procesos de comunicación de los seres primitivos.

Estilos de danza:
Existen fundamentalmente cuatro tipos o estilos de danza: • La danza c1ilsica o ballet

El ballet tiene como canon o norma principal la idealizaci6n de la figura humana desafiando la ley de la gravedad, adoptando únicamente las líneas rectas o curvas y descartando el ángulo como medio de expresi6n. El estilo c1ilsico nace en las cortes. Marfa Taglioni es el símbolo mas acabado del ballet clásico. Fue la primera bailarina que bail6 sobre las puntas de sus pies. La danza clásica, a su vez, se subdivide en tres grandes ramas:

 La danza noble: es aquella del estilo clásico más puro.

 La danza de carácter: es aquella inspirada en bailes tradicionales en donde se imitan los movimientos propios de un tipo de persona, oficio o profesi6n.

 La danza de semicaracter: es aquella inspirada en los mismos motivos de la danza de carácter, pero combinada con la técnica de la danza noble o clásica pura.

La danza moderna es la reacción contra las reglas formales del ballet clásico. Isadora Duncan fue una de las máximas represen­tantes de la danza moderna. Al danzar utilizaba movimientos na­turales, y para ello, bail6 descalza y con un vestido griego. Rudolf yon Laban creó las bases de la escuela de danza moderna.

La danza folklórica es muy variada, pues está formada por to­dos los bailes tradicionales de cada pueblo. Las danzas folklóricas incorporan gestos imitativos, los movimientos de un animal, la mímica del trabajo cotidiano (sembrar, cortar, lavar la ropa…)

La danza comercial es el baile de salón mezclado con algunos elementos del folklore y de acrobacia juglaresca. Forma parte del show de televisión, revistas musicales, comedias musicales. Parejas famosas como Fred y Adele Astaire, se destacaron como bailarines de exhibición.